PARTICIPANTES/RESÚMENES

Muito frequente nas representações medievais, a cor desempenhou importante papel quer a nível iconográfico, quer a nível textual. Centrando a atenção em dois dos mais antigos fragmentos arturianos ibéricos ―o  Livro de Tristan e o  Livro de Merlin, datados no século xiv―, bem como nas suas fontes francesas, procurar-se-á, por um lado, investigar a relação que se estabelece entre a biografia e o nome da personagem arturiana e, por outro, o significado e a origem da variação cromática que se verifica nas alcunhas do cavaleiro da Saia Mal Tallada. Serão, ainda, analisadas e interpretadas as diferenças evidenciadas pelas traduções da onomástica para as línguas ibéricas nos fragmentos mencionados.  

Jorge Alcázar (Universidad Nacional Autónoma de México),
“Magia  ilusionista  en  tres  textos  medievales”

La magia es un motivo recurrente en la literatura del Medioevo. Tenemos múltiples ejemplos de pócimas milagrosas que reviven a damas inermes o anillos que confieren invisibilidad a caballeros errantes. Los autores de monografías sobre el tema recalcan el interés suscitado en círculos cortesanos por estas cuestiones. Así Richard Kieckhefer sostiene que los señores feudales tenían a su servicio astrólogos y adivinos que cumplían funciones de consejeros, por una parte, y mimos y juglares que servían para divertir. Estos últimos solían realizar trucos de ilusionismo. En esta ponencia me propongo revisar un tipo de ilusionismo superior. Para ello se examinarán tres obras. En primer lugar, veremos el tipo de magia ejercida por Illán de Toledo en el Exemplo XI del Conde Lucanor. Para después compararlo con lo que hace el clérigo de Orleans en The Franklin’s Tale de Chaucer. Por último pasaremos revista a las pruebas a las que es sometido Sir Gawain en la obra anónima de finales del siglo xiv, Sir Gawain and the Green Knight. Se tratara de deslindar motivos recurrentes, así como el universo semántico de términos como nigromancia o tregetoures.

Magdalena Altamirano (San Diego State University, Imperial Valley),
“ El encuentro de dos géneros hermanos: correspondencias entre la antigua lírica popular y el romancero tradicional”

Las cancioncitas líricas de origen medieval copiadas en diversas fuentes de los siglos xv a xvii y los romances tradicionales registrados en la misma época (más los que se han recogido en nuestros días pero que ―por su tema, estilo o estructura―  deben ser antiguos) son dos géneros hermanos, tanto por su pertenencia al gran “árbol de la tradición oral” (son palabras de Antonio Sánchez Romeralo), como por la estrecha convivencia que mantuvieron en la cultura oral-popular de la Edad Media y el Renacimiento. Como resultado de ambos factores, las viejas cancioncitas líricas y los romances tradicionales exhiben un buen número de semejanzas, a varios niveles.

En esta ocasión examinaré un tipo específico de semejanzas: las correspondencias, definidas por Margit Frenk como “materiales [...] que presentan algún tipo de analogía [...] con el cantar en cuestión, sin que haya entre éste y aquéllos una dependencia necesaria (aunque pueda haberla)”. En mi ponencia, propongo nuevas correspondencia entre la antigua lírica popular y el Romancero tradicional, por ejemplo: el cantar Que yo, mi madre, yo... y el romance La muerte ocultada, o el romance-villancico Ya se parte el cavallero... y el romance El cura sacrílego; también aporto nuevos datos a las correspondencias señaladas por otros autores e incluidas en el aparato crítico del Nuevo corpus de Margit Frenk, por ejemplo: el detalle de la cama campestre para el cantar ¡Quién m’aora’ cá mi sayo... y el romance Flores y Blancaflor. En algunas ocasiones, los resultados del análisis de estas y otras correspondencias apoyan una filiación directa entre el texto lírico y el romancístico; en otras no cabe la posibilidad de dependencia directa, pero el examen de los paralelos temáticos o textuales ilumina ciertos pasajes de los textos que contienen la correspondencia. En todos los casos, las correspondencias aquí analizadas, junto a las estudiadas por otros investigadores, son una muestra más del riquísimo intercambio de influencias que caracterizó a nuestro antiguo folclor poético.

Carmen Elena Armijo Canto (Universidad Nacional Autónoma de México),
“Odo de Chériton y los Cuentos de Canterbury”

Magíster Odo de Chériton (c. 1180/90-1245/46), clérigo originario del condado de Kent,  escribió en lengua latina sus Sermones y Fabulae (c. 1224-1225), narraciones llenas de “humor realista”, punto que lo relaciona con el gran cuentista ya en lengua inglesa, Geoffrey Chaucer (1386-1400) y sus Cuentos de Canterbury.

Resaltar algunos paralelismos y analogías entre los Sermones in epistolas, Sermones Festiis y las Fabulae de Odo como: la venta de reliquias falsas, la descripción de la taberna como templo del diablo y la corrupción de los avariciosos predicadores mercenarios con el “Cuento del bulero” de Chaucer es el objetivo de la ponencia.

Por otra parte, se destacará que el material de los Sermones y Fabulae de Odo ha enriquecido colecciones de exempla como las realizadas por Étienne de Bourbon y el Speculum laicorum, y que sus historias viven en la tradición de la predicación popular y coinciden con la escritura de la narración breve en lengua vernácula.

Guadalupe Avilez Moreno (Universidad Nacional Autónoma de México),
“Algunos ciclos hagiográficos en la pintura románica catalana”

Dentro del rico y variado patrimonio románico de España, destaca como uno de los capítulos más interesantes y de imprescindible estudio el de la pintura religiosa de tierras catalanas, tanto mural como sobre tabla. Actualmente se conserva  poco más de medio centenar de conjuntos murales significativos, y un número similar de frontales de altar. Tal patrimonio constituye uno de los acervos más abundantes de este género, comparado con otros reinos cristianos hispánicos.

Entre los siglos xi y xii, la interrelación entre pintura, escultura y arquitectura no siempre era equivalente; es decir, la pobreza escultórica y arquitectónica, en ocasiones se compensaba con el ornato pictórico; por ello, habitualmente, en las iglesias donde  se desarrolló  pintura mural o sobre tabla, no encontramos obras de escultura monumental. La mayoría de las obras pictóricas que nos han llegado del Románico catalán tienen como marco una arquitectura lugareña.

Su  valor no sólo reside en la incuestionable calidad de las obras, sino en el hecho de que son  documentos históricos que reflejan la realidad espiritual y cultural de los siglos xi al xiii del Románico. La pintura era un medio al servicio del poder eclesiástico y en ciertos aspectos también del poder temporal, pues el patrimonio de las iglesias y monasterios provenía de  donaciones de  magnates y nobles para “asegurar”  la salvación de su alma y figurar junto a los elegidos.

Las obras pictóricas cumplían una importante función didáctica: recordar al hombre que Dios es su creador; que los sufrimientos son consecuencia del pecado y que  de su conducta  depende la salvación o la condenación eternas. Así, a través de los temas representados, se adoctrinaba moralmente al fiel presentándole su consecuente  premio o  castigo. Ejemplo frecuente es el de san Miguel Arcángel disputándole almas al diablo, la psicostasis.

Presentar modelos de vida a seguir era fundamental; por ello los santos son tan frecuentes en el género. La representación de sus vidas en la pintura románica permite inducir a quien las mira, a meditar sobre sus propios vicios y virtudes y a adoptar a los santos como modelos de comportamiento, en especial si se trataba de mártires; por ello constituyen también un vivo testimonio de la Gloria de Dios.

 Por otro lado los santos eran vistos como hombres imitables por vivir en contacto con Dios y ser premiados con dones sobrenaturales; entre otros, ejercer cierto poder sobre las criaturas infernales; será hasta la época del Gótico cuando se les invoque como patronos laborales o por sus poderes curativos y milagros.

Los santos representados en la pintura románica son, entre otros: san Andrés, san Pedro, san Pablo, santa Cristina, san Esteban, san Lorenzo, santa Lucía, santa Margarita, san Clemente, san Martín, san Saturnino, santo Tomás Becket, san Vicente, san Hermenegildo, san Quirce y santa Julita; los tres últimos, santos locales. La mayoría son santos y mártires de los primeros tiempos del cristianismo, así como obispos de siglos posteriores, todos ellos titulares de las iglesias en las se han hallado sus representaciones.

Durante la conferencia se proyectará una selección de frontales y pinturas murales acompañadas de su correspondiente explicación iconográfico-estilística.

Cristina Azuela (Universidad Nacional Autónoma de México),
“De la historia a la literatura: Eustacio el Monje, Fouke le Fitz Waryn y Robin Hood”

Existen textos en latín acerca de bandidos desde el siglo ix, que comparten el interés por los personajes fuera de la ley con la tradición nórdica (irlandesa y noruega). En lengua vernácula se encuentran diversas narraciones sobre personajes históricos, como Wistasse le Moine y Fouke le Fitz Warin que sin embargo se presentan como textos literarios (anglonormandos de los siglos xiii y xiv), aunque en ocasiones, como en el relato de Gamelyn  ―inserto en algún manuscrito de los Cuentos de Canterbury de Chaucer―, pertenecen totalmente al universo de la ficción. En este trabajo trataremos de analizar los elementos literarios que van conformando las leyendas de los bandidos históricos, a través de sus relaciones con otros personajes de la literatura, y que llevan a una figura como la de Robin Hood, cuya identificación histórica se dificulta pues el nombre parece referirse a un tipo literario e incluso jurídico, equivalente a fuera de la ley.

Rodrigo Bazán Bonfil (Universidad Autónoma d del Estado de Morelos),
“Origen de un Amadís sefardita: ¿versión «primitiva» o romancero vulgar?”

Armistead y Silverman hacen referencia a romances sefarditas en que aparece Amadís ―al menos como nombre― y, en consecuencia, la ponencia buscará explicar su presencia en la tradición de una comunidad que fue obligada a salir de España antes de que Montalvo publicara lo que hoy asumimos como El Amadís de Gaula.

La idea es establecer, entonces y en la medida de lo posible, si ésta puede defenderse como un rasgo previo a la expulsión ―pensando en versiones “primitivas” del Amadís como fuente― o es, en cambio, una adopción posterior. Que se da una vez ganada la fama por el personaje pero, sobre todo, si puede explicarse para los sefardís del Mediterráneo como consecuencia de los pliegos sueltos publicados en España a partir de 1515.

Henry Berlin (Cornell University),
“La acuñación del rey en el Libro de Apolonio y el Poema de Fernán González”

Se ha dicho ya en un número de ocasiones que el fenómeno literario del mester de clerecía implicaba también un fenómeno social, la emergencia de un nuevo estamento de clérigos conscientes de sus capacidades y deseosos de solidificar y mejorar su estatus. Lo que se ha comentado menos es la conciencia económica del nuevo grupo. Las peticiones de dinero al final de algunos textos de la época se han aducido como evidencia de oralidad, pero el lenguaje económico atraviesa varios poemas del mester de clerecía como elemento constitutivo. Tales son los casos del Libro de Apolonio (ca. 1240) y del Poema de Fernán González (ca. 1250), dos obras que surgen en un momento de renovación económica en la península ibérica, donde se comenzaban a acuñar otra vez monedas. Los héroes de ambos textos demuestran astucia y justicia en sus negocios; sin embargo, en esta presentación me enfocaré no en ellos sino en sus vasallos. En el Libro de Apolonio, los habitantes de Tarso edifican una estatua de Apolonio después de que éste lleva a cabo un negocio justo con ellos; en el Poema de Fernán González, los hombres del conde también elevan una efigie de él mientras el rey de Navarra lo tiene encarcelado. En un primer nivel, la edificación de las dos estatuas tiene la misma meta: el engrandecimiento de los señores. Sin embargo, en un nivel más profundo representan dos ideologías económicas distintas. Por un lado, el autor del Libro de Apolonio sigue aferrándose a una concepción aristotélica del dinero como medida general del valor que no tiene valor en sí. Por otro lado, el autor del Poema de Fernán González apuesta ya por la especulación e incluso por la usura. Estas posturas ideológicas se perciben a través de un análisis del comportamiento económico de los héroes; con todo, es a través de las estatuas mismas que se concreta la ansiedad económica de la época. Una moneda tiene valor porque trae la imagen del soberano, pero en estos casos los vasallos ansiosos confeccionan una base material para sus señores, acuñando en el proceso sistemas de intercambio que predominarían en los siglos subsiguientes.

Mónica Bernal Bejarle (Universidad Autónoma del Estado de Morelos),
“En el principio fue el diálogo. El Diálogo de vita beata de Juan de Lucena en los albores de un género renacentista”

El diálogo, como género literario, cuenta con una tradición propia en la que confluyen distintos modelos y que se extiende desde la Antigüedad grecolatina hasta el Renacimiento. Durante el desarrollo y la circulación de los ideales del Humanismo en Europa, representó uno más de los intentos por rescatar y adaptar a las necesidades literarias de la nueva época el canon de la Antigüedad, ya que trató de rehabilitar un paradigma de escritura que era familiar para algunos autores desde el Trecento, como Petrarca. En el siglo xv encontramos una ruptura con las formas dialógicas de la literatura medieval, pues varían tanto en su estructura como su contenido. Esta comunicación presentará un pequeño esbozo de la trayectoria del diálogo como género literario en la historia literaria hasta el 400, así como un panorama sucinto de su recuperación y de la concepción del género en la literatura castellana del siglo xv, pues se trató de una de las formas literarias más populares y que tuvieron un mayor desarrollo durante los Siglos de Oro. Para ello haré referencia específica a uno de sus textos fundacionales, el Diálogo de vita beata de Juan de Lucena (escrito en Roma en 1463 pero publicado en la península ibérica hasta 1483), ya que antecede muchos de los problemas estructurales y de contenido que caracterizaron al género durante el siglo xvi.

Lilián Camacho Morfín (Universidad Nacional Autónoma de México),
“La estructura dramática de la Égloga o Farsa del nacimiento de Nuestro Señor Jesucristo”

Lucas Fernández, junto con Juan del Encina, es considerado uno de los precursores de la Comedia española, ya que sus obras (al igual que las de Lope de Vega) se muestran atentas al público al cual van dirigidas, y escasamente respetuosas de cualquier etiqueta que pudiera limitar su libertad compositiva; no obstante lo dicho, se ha señalado con frecuencia y como limitante del escritor, el carácter poco dramático de sus composiciones destinadas a la representación, ya que, a juicio de los críticos, éstas están llenas de diálogos y escasean las acciones y los conflictos. En la presente ponencia nos enfocamos en el análisis de la estructura dramática de la Égloga o Farsa del nacimiento de Nuestro Señor Jesucristo, con el fin de mostrar la habilidad en el manejo de los elementos que componen dicha estructura y la forma como un autor de los últimos años de la Edad Media aprovecha sus herramientas literarias para crear obras llamativas destinadas a los espectadores presentes en los festivales religiosos.

Mariano de la Campa Gutiérrez (Universidad Autónoma de Madrid),
“La Estoria de España de Alfonso X: El texto de la Versión primitiva (c. 1271)”

La Versión primitiva o primera redacción de la Estoria de España, iniciada bajo la supervisión de Alfonso X antes de 1270, se caracteriza por su fidelidad a las fuentes y su acercamiento al arquetipo, Esta Versión se elaboró sobre el borrador compilatorio y los materiales de trabajo utilizados en el escritorio alfonsí.

Esta Versión primitiva se ha conservado en numerosos y distintos manuscritos, los cuales pueden agruparse en diferentes ramas a las que tradicionalmente se les ha venido llamando, con mayor o menor fortuna "versiones" cuando en realidad se trata de distintas familias de manuscritos que en poco modifican el texto de la redacción primitiva. Ni R. Menéndez Pidal (1906, 1916, 1924, 1955, 1957), ni T. Babbitt (1936), ni L. F. Cintra (1951) llegaron a conocer el texto de la Versión primitiva, por lo que hubo que esperar a los trabajos de Diego Catalán (1962, 1997), quien la llamó Versión concisa, para que fuera utilizado como punto de referencia ineludible en los estudios historiográficos. Los útlitmos investigadores han rebautizado el texto de la Estoria de España en su redacción primera como Versión primitiva, y así es como es conocido hoy día (I. Fernández Ordóñez 1993 y M. de la Campa 1995, 2000, 2002, 2005, 2008).

El trabajo que presentamos aquí pretende, tras realizar un respaso a los estudios del siglo XX, analizar el texto de la Versión primitiva y ofrecer por vez primera la edición del texto desde Ramiro I hasta Vermudo III, inédito hasta el momento.

Axayácatl Campos García Rojas (Universidad Nacional Autónoma de México),
“«Yrse por el mundo, […] por ver si fallaría remedio a su mal»: Enfermedad y salud en la narrativa caballeresca hispánica”

En los libros de caballerías hispánicos, abundan personajes que son poseedores de virtudes singulares y habilidades físicas destacadas. Por lo general, el caballero protagonista efectivamente tiene una fuerza y una destreza casi insuperables. Asimismo, podemos distinguirlo por sus diversas habilidades cortesanas, que bien le permiten llevar a buen fin sus empresas y hazañas. Estos paladines, sin embargo, en ciertos momentos también manifiestan las debilidades corporales y a veces espirituales que los hacen finalmente humanos: son heridos en combate y requieren de asistencia médica; llegan a caer enfermos…e, incluso según las circunstancias, pueden acercarse peligrosamente a la desesperación y la muerte. En ocasiones, sus males de salud lindan con los poderes de la magia o algún estado emocional intenso.

En esta ponencia, se analizará la función y las categorizaciones de la enfermedad y de la búsqueda de salud en libros de caballerías hispánicos, tales como Amadís de Gaula, Tristán de Leonís, Palmerín de Olivia, Arderique y el ciclo de Espejo de príncipes y caballeros. Asimismo, se establecerá el impacto que tiene esta circunstancia en el argumento de las obras y cómo constituye un motivo literario que activa la acción narrativa. Es un motor de la aventura.

Graciela Cándano (Universidad Nacional Autónoma de México),
“Interferencias de la comicidad en los relatos ejemplares”

En esta ponencia presento un esbozo de los personajes cómicos más representativos en algunas colecciones de exempla. Recurro al precepto latino “ridendo corrigit mores” para mostrar que estos protagonistas pueden ser un instrumento para hacer llegar al receptor una lección moral o doctrinal.

Anthony J. Cárdenas-Rotunno (University of New Mexico),
“«¡Dios, qué buen vassallo, si oviesse buen señor!»: Alfonso VI en el siglo xvi”

Este es un estudio relacionado con que ahora mismo estoy desarrollando en toda una serie de trabajos pertenecientes a la leyenda del Cid en especial tal como se manifiestan en el grupo de códices que se llaman Crónica popular del Cid que tuvo una gran difusiión en el siglo xvi en 14 ediciones distientas. Partiendo el personaje de Alfonso VI en el Poema de mio Cid, quisiera presentar cómo tal personaje se desarrolla en dicha Crónica, y en especial, la de 1525 de Cajobo Comberger que era muy probablemente la versiçon que se difundió en el Nuevo Munudo.

Fernando Cisneros Pineda (El Colegio de México),
“Los significados del Domo de la Roca y la literatura de qisas”

La obra construida a fines del siglo vii para albergar en torno a la roca que sobresale en la explanada del Templo en Jerusalén ha suscitado una serie de interpretaciones. La más extendida consiste en que es el punto de la ascensión del Profeta del Islam hacia los cielos (mi’râj). Sin embargo, se menciona comúnmente en la literatura contemporánea de vulgarización un segundo significado, relacionado con la figura de Abraham, al referirse al conjunto arquitectónico como a la reliquia (la roca). En esta exposición, pretendo analizar las menciones de este pretendido significado abrahámico en la literatura de musulmana de qisas al-anbiyâ, o leyendas de los profetas.

Jean Dangler (Tulane University),
“Sueño de imperio y de masculinidad en la Estoria de Espanna de Alfonso X”

En el capítulo seis de la Estoria de Espanna (EE), Alfonso X subraya la inexorabilidad de su futuro dominio político a través de un sueño de Julio César. Después de llegar a Cádiz en su oficio de magistrado (quaestor), César sueña una noche con preñar a su madre. Cuando llama a un astrólogo para interpretar el sueño, éste le dice que su madre representa la tierra, y que de la misma manera que domina a su madre, también llegará a dominar toda la tierra. Es indudable que el episodio resalta el poder de César, reflejado en la relación incestuosa entre madre e hijo y en la dominación territorial.  La madre y la tierra son objetos femeninos que se dominan. El sueño también revela las aspiraciones de Alfonso, al pretender la historiografía alfonsina ilustrar el traslado legítimo a Castilla del mando imperial y masculino de César y de otros héroes del pasado en el translatio imperii, o el traslado de imperio.

Mi trabajo muestra que el dominio providencial que hereda Alfonso de César no sólo se vincula con la tierra, sino que también con los seres humanos sexuados, con las mujeres vencidas y los hombres dominantes. El sueño indica que la herencia del significado cultural de los cuerpos sexuados es un factor clave en la consolidación del imperio. Si bien la EE es la documentación de este traslado, también constituye la prueba de un llamado translatio generis, el traslado de los valores del género sexual entre generaciones. El poder de los hombres sobre las mujeres es análogo a la fuerza necesaria para cumplir las metas imperiales, sean de César o de Alfonso X. Igualmente, defiendo que el sueño sirve para unir los objetivos políticos y el orden corporal normativo porque es un espacio que vincula dos esferas de valor, lo divino y lo mundano.

Javier Domínguez García (Utah State University),
“Los libros plúmbeos del Sacromonte: génesis, memoria, historia, olvido”

La trayectoria de nuestro estudio nos sitúa, pues, al final de la historia (como diría Fukuyama), cuando en junio del 2000 el arzobispo de Granada, Antonio Cañizares, recibió de manos del actual pontífice y ex-prefecto de la Congregación para la Doctrina de la Fe, Joseph Ratzinger, los Libros plúmbeos del Sacromonte entregados hace 400 años por Felipe II al Vaticano so pena de excomunión. Un halo de desconfianza e insatisfacción científica revuela hoy en día, y a principios de este segundo milenio, sobre las declaraciones papales que proclaman haber devuelto un tesoro histórico de la cristiandad y, sobre todo, de la ciudad de Granada. Afirmando, eso sí, que san Cecilio, apócrifo comentarista y autor de algunas de las pseudo-profecías, no sólo fue el primer obispo de Granada, sino también uno de los siete santos varones acompañantes de Santiago Matamoros, evangelizador y patrón de las Españas.

En este trabajo queremos enfatizar la idea de que la genealogía de los plomos comienza siete años antes de que éstos fuesen descubiertos, exactamente el 8 de marzo de 1588, día del arcángel san Gabriel, cuando durante la obras de rehabilitación que se estaban llevando a cabo en la catedral de Granada apareció una arqueta de plomo enterrada en el antiguo alminar de la mezquita granadina. El tesoro encontrado en la antigua mezquita estaba compuesto por una toca con la que la Virgen María se había secado sus lágrimas durante la pasión de Jesús, un hueso de san Esteban, arenillas y cenizas, y un pergamino atribuido a san Juan evangelista y avalado por el propio san Cecilio. En este manuscrito se anunciaban los acontecimientos de una nueva versión hispánica de la Apocalipsis.

Samantha Escobar Fuentes (Universidad de Salamanca),
“«Mas claras señales conozco en tu gesto»: Los gestos en las églogas amorosas de Juan del Encina”

El objetivo de esta investigación es analizar los gestos amorosos de las églogas de Juan del Encina. Para identificar e ilustrar los gestos del proceso amoroso de los enamorados de estos textos, parto de didascalias implícitas –a falta de explícitas- y valoro las variantes del incipiente teatro de la Baja Edad Media.

Las seis églogas que enfatizan diferentes momentos del cortejo recrean las concepciones del amor tan arraigadas en el imaginario medieval.

La constatación de este imaginario, al que no es ajeno Encina, se encuentra en ilustraciones y descripciones verbales incluidas en la literatura amorosa medieval de raigambre latina.

A partir de lo anterior, distingo los gestos amorosos sintomáticos y sociales. Los primeros están subdivididos en: gestos causales, gestos señales y gestos cura. Dentro del segundo grupo incluyo los del juego social del amor: el encuentro de los amantes, las danzas, bailes y cantos de carácter festivo de los participantes.

Para realizar este análisis hago uso de la semiótica que, aplicada a la dramaturgia, ha representado una novedosa herramienta para la aprehensión de textos medievales de carácter espectacular. Mi interés principal radica en reconstruir el momento espectacular con ojos un poco más medievales, es decir, más adecuados al espacio en el que estas representaciones vieron la luz primera.

Manuel Ferreiro (Universidade da Coruña),
“Una anomalía en la lengua trovadoresca gallego-portuguesa: sobre los casos de conservación de -l- intervocálica”

Frente a la general y sistemática desaparición de -l- intervocálico latino en el área lingüística gallego-portuguesa (consolidada en gallego y portugués modernos), la poesía trovadoresca medieval presenta algunos casos anómalos de conservación de esta consonante, especialmente en las formas del pronombre identificador.

En esta comunicación se revisarán exhaustivamente todos esos casos considerados especiales de -l- en relación con la conservación de -n- intervocálica en formas del tipo irmana, en busca de una explicación histórico-literaria que justifique tal aparente anomalía en la lengua de los trovadores gallego-portugueses.

Brenda Franco Valdés (Universidad Nacional Autónoma de México),
“De presunciones y “alabanças de donde nacen aviventezas” en Penitencia de amor de Ximénez de Urrea”

El objeto de este trabajo es destacar el papel que juegan las falsas lisonjas, la vanidad y el cortejo intencionado en los protagonistas de esta novela sentimental.

Xosé Ramón Freixeiro Mato (Universidade da Coruña),
“El papel del reino de Galicia en la conformación y difusión del romance y de la literatura gallego-portuguesa medieval”

Aunque desde el ámbito de la historiografía oficial española no se le concedió al reino de Galicia la importancia política que realmente tuvo durante la Edad Media, nuevas investigaciones de carácter histórico llevadas a cabo en Galicia y en Portugal, así como nuevos enfoques interpretativos de hechos y documentos de la Hispania medieval, están poniendo de relieve que el reino de Galicia fue durante siglos reino hegemónico en la Hispania cristiana.

Al mismo tiempo, el idioma surgido en la Gallaecia como prolongación natural del latín vulgar traído al noroeste de la península ibérica por los soldados romanos tuvo como denominación originaria la de “gallego”, que se convirtió también a determinada altura en la lengua cortesana de los reinos de León y de Castilla como consecuencia del poder político del reino de Galicia.

Por otra parte, el reino de Portugal se formó en el siglo xii como consecuencia de una división producida dentro de la Gallaecia histórica y la lengua común a este nuevo reino y al reino de Galicia no fue otra más que el primitivo romance galaico, que luego en Portugal y en sus colonias de ultramar acabaría por recibir el nombre de portugués, con el que es conocido internacionalmente en la actualidad, y en Galicia conservaría el nombre originario de gallego, derivación natural de ser el romance hablado en la Gallaecia. La denominación de “gallego-portugués” surgió a finales del siglo xix.

Con esta los eruditos portugueses que la crearon se referían a la lengua en que fueron escritas las cantigas medievales de amor, de amigo y de escarnio y madizer, así como las Cantigas de Santa María, que son fruto de la llamada escola trovadoresca de los siglos xiii y xiv, verdadera época dorada de la literatura medieval de Galicia y de Portugal. El papel y el peso del reino de Galicia en la lírica trovadoresca fue de extraordinaria importancia y el gallego se convirtió en la lengua lírica peninsular por excelencia durante ese período.

Todos estos aspectos serán abordados en la comunicación que se propone, tanto a la luz de las nuevas investigaciones aparecidas en los últimos años, como rescatando viejos testimonios de investigadores portugueses y gallegos hoy olvidados.

Pablo García Acosta (Universitat Pompeu Fabra),
“La alegoría de Ezequiel y el espejo: en pos de la visibilidad del Mirouer des simples ames de Marguerite Porete”

Nuestra ponencia se enmarca dentro de la tesis doctoral que estamos escribiendo y que intenta recuperar el legado gráfico del Mirouer des simples ames (c. 1290) de Marguerite Porete. Tanto ella como su tratado fueron sometidos a una persecución inquisitorial que concluyó con el encarcelamiento de la escritora, la prohibición de su tratado y la quema de ambos. A pesar de ello, la obra sobrevivió sustentada por varios códices que la recogen como texto meramente escrito. Nosotros sostenemos que este texto posee un trasfondo visual (que no visionario) que se puede recuperar en forma de iconografía. Las razones para plantear esta hipótesis son muchas, aunque la fundamental reside en su justificación didáctica: estamos ante un tratado que se autodefine como speculum, como miroir, y que, efectivamente, se ha escrito para enseñar a otros el camino hacia la divinidad. Tal camino es complejo y se desarrolla a través de los parajes de un lenguaje teológico violentamente abstracto, que se difundía en ambientes de predicación no necesariamente clericales y letrados: aquí es donde la visualidad se constituye como andamio del discurso, que permite hablar, enseñar, un camino experiencial complejo mediante imágenes comprensibles, incluso  memorizables.

Para mostrar el cómo de esta recuperación de manera práctica y presentar algunos resultados, analizaremos en este texto uno de los esquemas gráficos que subyacen en el texto poreteano: la alegoría de Ezequiel. Examinaremos primero el pasaje donde se presenta utilizando instrumentos de la filología para dilucidar un hipotético esquema gráfico subyacente, que, en un segundo estadio, vinculamos con otros textos cercanos al Mirouer que, por una razón u otra, sí tienen una iconografía asignada. Comprobaremos qué relación visual sostiene la obra poreteana con temas iconográficos como el Jardín de las virtudes (en, esencialmente, Le somme le roi) o el árbol de Jesé (ídem Speculum Virginum) y observaremos a qué conclusiones histórico-doctrinales nos lleva este estudio comparativo.

En suma, intentamos con esta ponencia devolver parte del aspecto histórico-visual al Mirouer des simples ames, con la finalidad de que ello nos permita realizar una lectura hermenéutica más amplia, más justa, del texto.

Estela García Galindo (Universidad Autónoma Metropolitana, Iztapalapa),
“Dos santas pecadoras en la prosa hagiográfica medieval castellana: María Egipciaca y Pelagia”

Las santas pecadoras ocuparon un lugar importante dentro de la hagiografía medieval castellana, a través de un poder de atracción arrollador ejercido contra los oyentes de la época que generó que las historias de estas mujeres públicas, después convertidas al cristianismo, tuvieran gran popularidad. En especial, esa notoriedad la alcanzaron con los relatos en prosa de finales del Medievo, pues aunque ya las vidas de pecadoras habían tenido éxito en verso a lo largo de la Península (principal ejemplo es el de Santa María Egipciaca), con la prosa esta literatura hagiográfica llegó a su cumbre.

         Caso peculiar es que la mayoría de los estudios críticos al respecto se han ocupado de las vidas de santos rimadas, de manera que existe una veta muy grande por explorar en las escritas en prosa. Precisamente, esta comunicación tiene como propósito el estudio de algunos aspectos biográficos y sobrenaturales de las primeras hagiografías en prosa, escritas en el siglo xiv, de Santa María Egipciaca y Santa Pelagia.

Sobre la primera es más que conocida su relevancia literaria como “pecatriz” por antonomasia, la prolijidad de versiones en castellano y otras lenguas, los numerosos trabajos que se han efectuados en particular sobre el poema; sin embargo, conviene tratar el primer relato en prosa que se escribió sobre esta meretriz para conocer los elementos originales, después retomados por hagiógrafos como Rivadeneyra, que dieron una visión de ejemplaridad y que han permitido que siga cautivando al público de diversas épocas.

                Y a la par de la pecadora por excelencia, se analizará la vida en prosa de otra lujuriosa similar: Pelagia, historia literaria que también gozó de mucha aceptación en la Edad Media y el Siglo de Oro Español, en particular por tratarse de una de las primeras santas “travestidas”, que gracias al disfraz pudo entrar en el camino de la virtud. En este caso se revisarán aquellos aspectos que caracterizaron su conversión y penitencia.    

Thomas Gergen  (Universidad de la Sarre),
“La tradición jurídica y textual de los Usatges de Barcelona y los concilios catalanes de la paz de Dios”

Los Usatges de Barcelona, compilación de las normas de la Cataluña feudal, consisten en 174 artículos que regulan la vida social desde la época de Ramón Berenguer I, el cual tenía el propósito de restaurar el orden político y la paz en la segunda mitad del siglo xi. Expresiones sobre la paz y las treguas figuran unas 70 veces en los Usatges y se basan en un movimiento medieval importante que nació al final del siglo x en Francia, desde donde se extendió progresivamente hasta Cataluña. Los concilios catalanes de Toluges (1027, 1064-66), Vic (1030 y 1033), Girona y Barcelona (ambos de 1068) ya eran ensayos cuyo fin era alcanzar la paz de Dios en Cataluña.

Al leer los Usatges en lengua catalana podemos descubrir estos textos, anteriormente escritos en latín. En la mayoría de los casos se trata de tradiciones jurídicas con cambios lingüísticos, pero también de traducciones del texto latino de los concilios precursores (us. 173). Por eso, nos propondremos analizar las diferentes maneras de integrar en los Usatges los textos de los concilios anteriores.

Laurette Godinas (Universidad Nacional Autónoma de México),
“Historia de una metamorfosis: del manuscrito al impreso en la tradición de los sermones de san Vicente Ferrer”

Sin duda la imprenta fue, desde su invención a mediados del último siglo medieval, un elemento que potenció la fijación de pautas tipográficas y de dispositio que, si bien fueron, en un principio, fuertemente inspirados por los usos en vigor en los manuscritos contemporáneos, rápidamente tomaron su propio camino, marcado, en gran parte, por el carácter mercantil del invento revolucionario y la necesidad de establecer de manera fidedigna la procedencia de los textos editados y la protección comercial de los mismos. En esta ponencia me propongo analizar estos cambios, tanto en la dispositio como desde el punto de vista textual, con un caso particular de la literatura hispánica medieval para el cual conservamos ―afortunadamente, pues esto no es costumbre― tanto sermones medievales como incunables, san Vicente Ferrer.    

Ximena Gómez Goyzueta (Universidad Autónoma Metropolitana, Iztapalapa),
“La intertextualidad en los prólogos de La Celestina y La Dorotea: acción: la falsa autoría”

En el trabajo que propongo se analiza la profunda relación intertextual que existe entre los prólogos de La Celestina y La Dorotea: acción en prosa en torno a la tradición del modelo clásico plautino de los prólogos de origen incierto, que cumplían el propósito de “diluir la identidad de los autores”, modelo que a su vez es retomado y ensayado durante la Edad Media. Las comedias de Plauto refieren el nombre del autor y a veces también el título del original griego utilizado. Según observa María Rosa Lida en su estudio sobre La Celestina, “el hecho de callar Fernando de Rojas su nombre y dejarlo asomar luego en el acróstico [...] es una práctica medieval frecuente en imitadores y refundidores para dar a conocer su incompleta autoría, y frecuente también en autores que escriben para un estrecho círculo literario a quien su nombre no es desconocido”. Esta tradición pasa por la Edad Media y sigue por La Celestina  hasta llegar a La Dorotea: acción en prosa. Así, con base en el origen latino del tópico de la falsa autoría y remontándome principalmente a su influencia en la Edad Media, observo cómo se crea dicha relación intertextual entre las obras mencionadas permaneciendo el tópico vigente y, a su vez resemantizado.

Aurelio González (El Colegio de México),
“Fórmulas y estructuras formularias en el Romancero viejo”

Probablemente la fórmula sea la unidad discursiva básica del Romancero, por otra parte la fórmula en una unidad estable caracterizadora del lenguaje romancístico. Pero al tratarse de expresiones que corresponden a la literatura tradicional forman parte de textos abiertos que varían y se refuncionalizan. En este sentido se analizarán algunas de las posibilidades expresivas de las fórmulas y de las estructuras derivadas de esta unidad discursiva, tanto en el plano poético como en el narrativo.

Alejandro Higashi (Universidad Autónoma Metropolitana, Iztapalapa),
“La teoría de los géneros literarios en el siglo xii”

El siglo xii representa un momento privilegiado para la literatura tanto en latín como en lengua vulgar, donde igual fulguran la épica francesa y castellana, la lírica trovadoresca, la lírica goliardesca, la materia artúrica o el roman courtois; es también el siglo del Liber Sancti Iacobi, de la escuela de Traductores de Toledo, de una nueva historiografía latina (donde destacan la Historia Compostellana, la Historia Roderici o la Chronica Adefonsi Imperatoris) y el mismo siglo del apogeo de la materia cidiana; todo ello, sin olvidar que las primeras maqāmas hispanohebreas y que la principal poesía misógina, producto de las reformas de la vida monacal iniciada en el siglo anterior, también tiene lugar ahí. A contrapelo de dicha pujanza literaria, las reflexiones sobre géneros literarios lucen empobrecidas por el peso de una tradición erudita de saberes acumulativos que las hace caóticas e inoperantes unas veces; y otras, especialmente en el caso de los textos vernáculos, reflexiones parciales confeccionadas espontáneamente sobre la relación polémica entre la obra que se presenta y el panorama literario inmediato de su autor. En el presente trabajo, me propongo revisar algunas de las reflexiones sobre los géneros literarios del xii, como la de Domingo Gundisalvo en su De divisione Philosophiae, la de Bernardo Silvestre en sus comentarios atribuidos a Marciano Capella, las del prólogo en los testimonios más antiguos del Roman de Renart o la división tripartita del género épico al inicio del Saisnes de Jean Bodel, con el propósito de valorar sus aportaciones al contexto literario del xii, pero también su ineficacia como una normativa de los géneros en un momento de enorme vitalidad literaria.

Ximena Illanes Zubieta (Universidad Católica de Chile y Universitat de Barcelona),
“«Aprendiendo a vivir»: trabajo y servicio de niñas y niños acogidos en el Hospital de Barcelona durante el siglo xv”

Esta ponencia trata de la etapa en que las niñas y niños abandonados en el Hospital de Barcelona durante el siglo xv, comienzan a formar lazos con el mundo externo de la institución. La investigación se centra en la transición de estos pequeños hacia la vida adulta por medio del trabajo y servicios prestados. Interesa reconocer y describir las condiciones laborales establecidas, y a la vez, los beneficios y cuidados prometidos por parte de los contratantes. Se estudia en profundidad este proceso de aprendizaje, considerando las variedades y particularidades de las niñas y niños y también las propias de los oficios y servicios en los que se desempeñan. En fin, se busca definir con ello, los factores de integración y marginación que son sujetos en este período de transición hacia la vida adulta. Si bien estas criaturas llevan consigo el estigma de la marginación desde el momento en que son abandonados: por estar solos, por provenir de las familias más vulnerables, pobres y rechazadas, por carecer de su alimentación, y finalmente por estar expuestos a una constante circulación; es en esta etapa de la vida, donde las posibilidades de inserción se hacen explícitas.

Mariapia Lamberti (Universidad Nacional Autónoma de México),
“Las menciones del momento de la escritura en la Divina comedia”

Uno de los aspectos más modernos de Dante es que se mantiene constantemente en contacto con su “lector”, y proclama que su obra está destinada a ser leída, superando así toda posible dimensión de oralidad; pero también que su ficción no sale del ámbito de la página escrita: en la epístola a Cangrande della Scala, propone los diferentes nivelas de lectura de su poema como una narración ficcional. Pero el altísimo propósito que impulsa Dante a escribirlo, vuelve indispensable, al interior de la escritura, una afirmación de veridicidad de la experiencia del Viaje. Y ésta Dante la realiza haciendo referencias frecuentes al momento de la escritura como momento de la memoria: repentinamente el tiempo narrativo se desplaza del pasado del Viaje al momento presente del recuerdo que permite y acompaña la escritura. Estos momentos son mucho más numerosos y constantes que los apóstrofes al lector (que hemos examinado en un estudio anterior, siguiendo el recuento de Auerbach), que tienen sin embargo esta misma finalidad. De estos tres puntos ―los apóstrofes al lector, la mención de la acción de escribir, y el comentario sobre la “memoria” de la experiencia que se está relatando― nos proponemos examinar el segundo, anticipando el tema de la memoria, que presenta una incidencia mucho más abundante y se conjuga con los otros dos.

Rosalba Lendo (Universidad Nacional Autónoma de México),
“El personaje del Morholt en el Tristan en prose, el Tristrant de Eilhart d’Oberg, Tristan et Isolde, de Gottffried de Satrasbourg, Tristano riccardiano y el Tristán de Leonís”

Ligado a la leyenda tristaniana desde las primeras versiones francesas, el personaje del Morholt, hermano de la reina de Irlanda, juega un papel determinante en la primera parte del Tristan en prose, pues su enfrentamiento contra Tristán definirá el destino de Tristán e Iseo. En el combate, el joven caballero mata al Morholt, liberando así al reino de Cornualles del tributo de jóvenes y doncellas exigido por el rey de Irlanda, con lo que logra ganarse el reconocimiento público. Pero este acto provocará también su primer encuentro con Iseo, la única que podrá curarle  la herida hecha por el Morholt.  Este episodio clave se conserva en el Tristan en prose y en las versiones alemanas, el Tristrant de Eilhart d’Oberg y Tristan et Isolde de Gottfried de Strasbourg, italiana, Tristano riccardiano, y española, Tristán de Leonís, que presentan ciertas diferencias en la imagen del personaje del Morholt con respecto al texto francés. En algunas de ellas se observan rasgos primitivos en el personaje, que lo acercan a la figura del gigante, mientras que otras muestran una clara tendencia a alejarse de este modelo mítico. Las distintas interpretaciones del personaje que presentan estos textos será el objeto de nuestro estudio.

Lucila Lobato Osorio (Universidad Nacional Autónoma de México),
“La figura del caballero como uno de los elementos unificadores del género caballeresco breve del siglo xvi”

En esta ponencia se revisarán algunas características del caballero en las historias caballerescas breves del siglo xvi. Mediante la comparación y análisis de los rasgos constantes de la figura del caballero literario medieval en ciertas obras del género breve, se intenta mostrar que el personaje bien pudo ser uno de los elementos necesarios para la publicación de los textos bajo un mismo formato. Ya que se estudiará la forma en que el caballero fue inserto dentro de argumentos concretos, muy diversos entre sí, pero cuya presencia otorga una cierta identidad temática. Además, se observarán aquellos rasgos singulares y novedosos que hacen al personaje protagonista único y más cercano al público de la época.

Claudia Lucotti (Universidad Nacional Autónoma de México),
“El cuerpo de la mujer en la  obra de Geoffrey Chaucer”

Toda identidad sexuada se crea a partir de configuraciones sociales e ideológicas particulares. Es por ello que el estudio de la visión que emerge de muchos textos medievales del cuerpo de la mujer permite acercarse a todo el  entramado cultural dentro del cual esta visión se configura y posee sentido. Lo anterior, a su vez, permite ―de modo recíproco― una lectura mucho más rica de estos temas, además de un conocimiento más puntual de la situación de las mujeres en ese periodo. Sobra decir que en la época de Chaucer, arreciaban los debates en torno a la anatomía, fisiología y sexualidad femeninas y que, en gran medida, podemos decir que en esos años se sentaron las bases para muchas de las visiones que aún imperan en nuestros días.

El propósito de esta ponencia es trabajar los cuerpos de las  mujeres que aparecen en la obra de Chaucer, sobre todo su romance Troilo y Cresida y varios de los cuentos de Los cuentos de Canterbury ―muy en especial el prólogo y el cuento de la comadre de Bath, el cuento del molinero, el comerciante, el estudiante y el aguacil―  para, en primer lugar, establecer algunas características de la visión específica que tiene este autor de dicho tema, una visión impregnada por una dosis interesante de objetividad, realismo y simpatía., en la cual están claramente presentes muchas de las discusiones arriba mencionadas. En segundo lugar, buscaré realizar comparaciones entre estos textos y otras obras de la edad media como, por ejemplo, El roman de la rose de Guillaume de Lorris y  Jean de Meun, Morte D´Artur de Malory y El filostrato de Boccaccio para explorar en qué medida la visión de Chaucer es una visión compartida por su época o un acercamiento más particular.

Claudia Magos (Universidad Nacional Autónoma de México),
“El exordio en el Libro de Alexandre”

Quizá uno de los elementos literarios que más ha ayudado a la crítica a la hora de establecer criterios acerca de un movimiento o una corriente literaria haya sido el exordio del Libro de Alexandre, pues ha sido en torno a la discusión de la conocida cuaderna

Mester traigo fermoso,         non es de joglaría,
mester es sin pecado,              ca es de clerecía
fablar curso rimado              por la quaderna vía,
a sílabas contadas,                ca es grant maestría.
(L. A. c. 2).

que la crítica ha establecido los parámetros para definir cuales obras de las escritas entre los siglos xiii y xiv deben considerarse o no dentro de lo que se ha dado en llamar “Mester de clerecía”.

A pesar de la importancia de esta obra para la comprensión de la literatura medieval española, la crítica ha prestado poca atención a su análisis, lo que sin duda ha provocado grandes huecos en el conocimiento de la obras de este periodo, por lo que propongo un análisis retórico del exordio del L. A., a la luz de la Poetria nova, de Geoffroi de Vinsauf, así como de la Ars versificatoria de Mateo de Vendome, con lo que además de evidenciar la maneara en que éste está construido en apego a las poéticas en boga durante su presente de escritura, intento demostrar la independencia del exordio en relación con la obra de la cual forma parte.

Gabriela Martin (El Colegio de México),
“La presentación de la historia en algunos textos franceses del ciclo troyano”

La comunicación cuyo resumen someto a su juicio en esta ocasión se basa en una doble posibilidad de entender historia; en su sentido más profundo, la presentación de la historia se refiere a los aspectos que conforman la estructura narrativa del texto, es decir la manera en la que el lector puede acceder a su contenido, a los hechos y a los personajes que provocan o experimentan tales hechos, todo por medio de las funciones desempeñadas por el narrador.

En un sentido más amplio y como consecuencia de lo anterior puede entenderse que la presentación sería la de la Historia, así con mayúscula, esto es la forma en la que se fija y expresa un hecho histórico para formar parte de un acervo universal.

Se trata otra vez de probar la flexibilidad liminar que comunica los ámbitos literario e histórico a partir del análisis de algunos aspectos centrales de la composición narrativa, análisis que estará centrado en la recreación ficcional de la guerra de Troya que vemos en autores como Jean de Flixecourt,  Jofroi de Waterford o Raoul Lefèvre, así como en el recuento historiográfico de obras como la Histoire ancienne jusqu’à César.

Purificación Martínez (East Carolina University),
“¿Qué hacer con el problema de María?: Búsqueda documental en torno a María de Molina”

En los últimos diez años se han publicado al menos tres biografías sobre la reina María de Molina. Estas biografías, sin embargo, no se desvían en lo esencial de la publicada en los años treinta del siglo pasado por Mercedes Grabois de Ballesteros. Nuestro entendimiento sobre quién era la reina, el papel exacto que jugó en la política de finales del siglo xiii y, sobre todo, la importancia que tuvo en la cultura de ese siglo, sigue sin haber sido examinado en  profundidad. La crítica reciente sobre  reginato hace pensar, sin embargo, que mucho de lo que se ha escrito sobre María de Molina no se corresponde a la realidad histórica de una reina medieval, sino más bien a construcciones llevadas a cabo por otros. Sólo a través de la recolección y examen detallado de documentos orginales será posible comprender qué parte de nuestra idea de María corresponde a creaciones de los autores de su tiempo, qué parte a explicaciones totalizantes de la crítica actual, y qué parte a acciones de la propia reina.

Durante el verano de 2008, viajaré al Archivo Histórico Nacional, el monasterio de las Huelgas en Valladolid y la Biblioteca Nacional de Madrid, con el objetivo de examinar documentos originales relacionados con el reinado de María de Molina. En la conferencia aquí propuesta, presentaré por primera vez en un congreso hispanomediavalista los resultados de mi trabajo de archivo y también los presupuestos iniciales y conclusiones preliminares a que me lleva esta recolección de documentos.

Mariana Masera (Universidad Nacional Autónoma de México),
“«Vita bona, / ¡vamos a la Chacona!»: las voces en los bailes en la antigua lírica popular ”

Una de las expresiones más vivas y dinámicas de la antigua lírica popular son los bailes, donde diversas voces expresan de distintas maneras su regocijo a través del ritmo producido por la conjunción de elementos como las exclamaciones, las onomatopeyas, los juegos verbales, etc. En este artículo estudio cómo son esas voces y señalo los recursos poéticos utilizados en los diferentes cantares, destacando, de esta manera su particularidad frente a las otras cancioncitas de la antigua lírica popular y reviso las supervivencias en los virreinatos y contemporáneas.

María Teresa Miaja de la Peña (Universidad Nacional Autónoma de México),
“Del azar al azor. La fauna en La Celestina”

En La Celestina, obra maestra que marca el cierre de las letras medievales españolas para dar paso a las Renacentistas, destaca la presencia de una peculiar serie de elementos zoológicos, todos ellos muy acordes en su sentido y función con la cuentística ejemplar medieval, sus fábulas y exempla, a la vez que cargados de un fuerte contenido simbólico. Todos ellos alados, aves o insectos cuyas alas, sinónimo de dispersión, reflejan con su presencia lo mucho que de instinto y características  animales tenemos los humanos en nuestra conducta social, amorosa y sexual.

La presencia de estos peculiares elementos y de su sentido y función en La Celestina pretende acercarnos  al esclarecimiento de  uno más de los muchos aspectos que conforman la obra con el propósito de comprenderla y disfrutarla en mayor plenitud.

José Antonio Muciño Ruiz (Universidad Nacional Autónoma de México),
“Una lectura política del Sendebar”

La narrativa medieval española sigue siendo un campo de estudio muy fértil para diferentes disciplinas humanísticas que se ocupan de la cultura medieval: sociología, historia, historia de las mentalidades, antropología, estética, historia literaria, filosofía, por citar algunas ciencias que han aportado al estudio de la materia nuevos enfoques y nuevas interpretaciones.

Dentro de estas disciplinas que se ocupan del discurso narrativo medieval, cabe hacer mención de la hermenéutica literaria, de raíz filosófica, que ha tenido un desarrollo notable aplicado a la literatura desde la segunda mitad del siglo xx, y que se continúa hasta nuestros días.

La hermenéutica literaria aplicada al campo de la narrativa medieval española, nos abre nuevas posibilidades de interpretación, que, sin invalidar las que han hecho desde el campo de la historia literaria y de la historia de la cultura hispánica, nos ofrece una nueva manera de leer los textos medievales.

Esta nueva lectura, aplicada a uno de los textos narrativos medievales hispánicos, el Sendebar, clave en el desarrollo de la literatura medieval castellana, nos permite avanzar en las dos lecturas que tradicionalmente se han hecho de esta obra: 1) como texto dirigido a príncipes (gobernantes), donde se “enseña” la virtud y la prudencia que debe tener un futuro rey y 2) la expresión de una misoginia medieval.

Desde la perspectiva de la hermenéutica, el Sendebar, al situarse en el contexto político en el cual se traduce o se manda traducir por don Fadrique, hermano del rey Alfonso X, el Sabio, es una obra que implica una lectura política y revela cómo se veía el papel de la mujer en la política en la Edad Media.

Señalar esta visión sobre el papel que tiene la mujer en la política medieval y como lo presenta la obra, es el objetivo de la ponencia.

Verónica   Murillo   Gallegos (Universidad Autónoma de Zacatecas),
“Duns Scoto. Un antecedente de la evangelización en la Nueva España”

La evangelización de los indios americanos durante el siglo xvi fue tarea de primera importancia. Sin embargo, los evangelizadores no siempre estuvieron de acuerdo en cuál era la mejor manera de llevar a cabo tan difícil tarea. Un ejemplo de ello es la discrepancia entre dominicos y franciscanos en torno al uso de la coacción en la labor evangelizadora, discusión personificada en fray Bartolomé de las Casas y el fraile menor Toribio de Benavente Motolinía. Se ha dicho que en torno a esta cuestión existieron dos bandos: el de los voluntaristas franciscanos y el de los intelectualistas dominicos. De acuerdo con estos últimos, los indios debían ser primero instruidos suficientemente en la fe cristiana antes de concederles cualquier sacramento. Según los franciscanos, los indios, al conocer algunas verdades de la fe, pedían el bautismo y lloraban y  se atormentaban para que les fueran concedidos otros sacramentos.

Tal oposición podemos remontarla a las propuestas medievales de Tomás de Aquino y de Juan de Duns Scoto sobre la manera en que debía realizarse la conversión de infieles y gentiles. El dominico rechazaba la conversión de los infieles haciendo uso de la fuerza, el franciscano, por su parte, parece aprobarla. En los estudios más comunes sobre este tema se presenta ―o se supone conocida― únicamente la postura del de Aquino, mientras que la propuesta de Duns Scoto pocas veces es expresada y cuando así se hace es simplificada. Por eso, el objetivo de este trabajo es presentar las consideraciones del franciscano Juan Duns Scoto sobre el tema de la evangelización quien, si bien dice que es necesaria la coacción para convertir a los infieles al cristianismo, tal afirmación tiene varios matices que implican otros temas relevantes durante la Edad Media y el primer siglo de la colonización de la Nueva España: el voluntarismo, el problema de la potestad sobre los infieles y los grados y “espacios” de coacción para convertir al infiel.

Gabriela Nava (Universidad Nacional Autónoma de México),
“«Que cualquier mote os acierta». La denigratoria etopeya femenina en la poesía cancioneril del siglo xv”

El objetivo de esta ponencia es revisar una galería de mujeres esperpénticas presente tanto en el Cancionero de Baena como el Cancionero General de Hernando de Castillo.

Basados en los cánones de la belleza femenina, surgen, en la poesía cancioneril del siglo xv, una serie de retratos de rasgos caricaturizados en los que las mujeres quedan degradadas física y moralmente. La tradición en la que se inserta este tipo de poesía tiene, como lo ha señalado Vicenç Beltrán, su origen en el escarnho y el maldizer trovadoresco.

En estos retratos humorísticos, la descripción de los deformes personajes femeninos se lleva a cabo por medio de elementos burlescos, obscenos ―explícitos o eufemísticos― y escatológicos que varían según el ingenio poético de los autores. La creación de esta antibelleza tiene por objetivo el contrahacer la imagen idealizada y dignificada de la mujer proveniente de la poesía amorosa. Asimismo estos poemas se convierten en el medio ideal para vituperar a la dama desdeñosa o acusar a la del carácter liviano.

En estas denigratorias etopeyas, la fealdad de las damas va desde lo contrahecho y lo deforme hasta lo grotesco y lo monstruoso de tal forma que cualquier mote acierta a describirlas.

Elami Ortiz Hernán Pupareli (Universidad Autónoma d del Estado de Morelos),
“«La mi gran hermosura que suele ser la vista del basilisco»: doncellas presas de su belleza  en los libros de caballerías hispánicos”

En los libros de caballerías existen muchos motivos, unidades de contenido que se repiten  en los textos en menor o mayor medida.  Lo que analizo en esta ponencia es como esos elementos de contenido pueden ser sometidos a un proceso de abstracción y selección en los libros de caballerías y cómo se va transformando el modelo a partir de sus caracterizaciones en dichos textos. Planteo una tipología a partir de tres definiciones del motivo. El primero es el de  la doncella que por su afán de conocimiento, generalmente de las artes mágicas, opta por “no tomar marido” (Celina y Danalia en Cristalián de España).  El segundo es la dama que es encerrada por su belleza  y que debe liberarse a partir de la superación de una ordalía amorosa de algún caballero (Onoria en el Amadís de Grecia, Francelina en Primaleón y Diana en la tercera parte de Florisel de Niquea). El tercero es la doncella que causa mala suerte o guerras por su belleza (Penamundi en Cristalián de España y Eslcariana en Amadís de Grecia).

Eloísa Palafox (Washington University in St. Louis),
“«Yo te diré cómmo fagas»: teatralidad y didactismo en el Calila e Dimna”

En esta ponencia presentaré un análisis del Calila e Dimna a lo largo del cual trataré de explicar las diferentes formas en que los personajes, dentro de los ejemplos, utilizan varios tipos de recursos “teatrales” para lograr sus objetivos, defender sus puntos de vista y a veces incluso transmitir algún tipo de saber a sus interlocutores.

Lo que me propongo hacer con esta lectura es demostrar que estos recursos teatrales pueden ser leídos como una recreación, al nivel de la trama, de los ideales, problemas y modos de operar del didactismo inherente no sólo al texto del Calila e Dimna, sino en general a todo discurso ejemplar.

Devid Paolini (The City College of New York),
“Acerca del género de Celestina: algunas observaciones”

El género al que pertenece Celestina ha sido argumento de debate entre los críticos durante décadas y todavía sigue siéndolo. A través de una lectura pormenorizada de la obra, querríamos señalar y analizar unos pasajes del texto que demuestran su intrínseca condición dramática.

Simone Pinet (Cornell University),
“Intercambios: Del Cid a Fernán González”

Si siguiendo a Marcel Mauss pensamos el don o regalo como una instancia más del fenómeno del intercambio, cuya particularidad consiste en que lo que se adquiere es poder sobre otro, sobre el receptor ―un poder acaso que pide correspondencia en la misma medida, o que obliga al  receptor a corresponder en exceso de lo recibido―, la progresión de los regalos enviados por el Cid a Alfonso presenta una situación narrativa particular que va, como se ha dicho, en contra de la relación de vasallaje. Así, se cuestiona no sólo la jerarquía entre personajes, sino que se escenifica un problema de orden económico en términos narrativos. Los regalos del Cid son ambivalentes, pues atacan el supuesto de largueza que debería asociarse con Alfonso. Los regalos del Cid no son símbolos de la (obligada) relación de vasallaje, sino espectáculos del poder del Cid, una declaración de estatus de un poder señorial con potencial de independencia. Los regalos ofrecidos por Rodrigo son un condicionamiento del poder del rey que no garantiza de modo alguno una relación de vasallaje, pero que tampoco propone una de igualdad ―lo que supondría un rompimiento de tal relación.

Paradójicamente, los regalos condicionan a Alfonso a corresponder en tanto señor con una generosidad que exceda a los regalos del Cid y que sea también simbólica, restaurando así la relación vasallática.

Esta correspondencia es el perdón. El regalo de Alfonso ―y su exceso―, el matrimonio con los infantes de Carrión, en su fracaso como gesto de reciprocidad, endeuda todavía más a Alfonso.Esta comunicación analizará esta narrativa de los regalos en el Poema de mio Cid para contrastarla brevemente con el episodio del caballo y el azor en el Libro de Fernán González, tratando de elucidar por medio de este pretexto las ambigüedades entre una economía de don y una de ganancia, entre la relación de vasallaje y una política independentista que señalan no sólo hacia la historia económica en torno a la producción de estos poemas sino que cómo la economía misma se instala en la estructura poética.

Viviana Ponce Escudero (Universitat Autònoma de Barcelona),
“Santo Domingo el Real de Toledo: Mujeres monjas y poder”

Unas de las causas por las que las mujeres entran a un monasterio en la Edad Media es por la “libertad” que les otorga (entre comillas) el no estar bajo un “yugo masculino” (otra vez entre comillas), además de la educación a la que pueden aspirar, e incluso acceder a la mismísima salvación, pues son siervas y devotas de Dios. No podemos olvidar que las mujeres fueron vistas, en algún momento, como las causantes de los males y locuras masculinas, y entonces eran perseguidas, degradadas y menospreciadas; pero, al estar en un monasterio, eran consideradas castas y puras mujeres.

Sin embargo, a un monasterio como Santo Domingo el Real de Toledo, no entraba cualquier mujer con vocación religiosa… No. Sólo aquélla que tenía el dinero suficiente para poder pagar la “dote” que exigía su ingreso. Y esta es una de las razones por la que este monasterio tuvo el poder  que ostentó, porque ―a excepción de muy pocas favorecidas con la gracia de alguna reina― las mujeres que entraban en él eran de origen noble o aristócrata.

Cabe mencionar que gran parte del prestigio y poder con el que se vio favorecido el monasterio, fue porque, desde Catalina de Lancaster, estas monjas fueron consideradas, prácticamente, un brazo de la corona reinante.

El Monasterio de Santo Domingo el Real de Toledo, posee un gran archivo que demuestra esta idea, una serie de manuscritos de misivas de reinas y mujeres nobles (he tomado las de los siglos xiv y xv que son los que me interesan) y esto es lo que, rápida y concisamente revisaremos. Cómo, por ejemplo, Catalina de Lancaster se apoya y confía en ellas para que la ayuden a tener a sus hijos, para que entierren a su tío Sancho (hijo de Pedro I el Cruel) o para que detengan a Leonor López de Córdoba, situaciones de importancia en el reino en las que ellas tienen participación.

Alicia E. Ramadori (Universidad Nacional del Sur),
“Proverbios en el Arcipreste de Talavera, entre estrategias retóricas y prácticas intertextuales”

Nos proponemos describir el comportamiento de los proverbios en el Arcipreste de Talavera de Alfonso Martínez de Toledo en los diferentes contextos argumentativos, doctrinales y satíricos, en tanto estrategia de la amplificatio retórica observable a partir de sus relaciones con intertextos reconocidos. En primer lugar, con respecto a De Amore (Libro III) de Andreas Capellanus, analizaremos el trabajo intertextual realizado en la incorporación  y reelaboración de paremias, atendiendo a su uso en las artes medievales de la argumentación, la poética y la predicación. Además, nos interesa establecer conexiones con dos versiones hispánicas del Secretum Secretorum, difundidas en el siglo xiii. Sin plantear que estas versiones hayan sido las consultadas por Martínez de Toledo, intentaremos precisar los puntos de contacto en la transmisión de material sentencioso y técnicas de inserción de proverbios con esta tradición sapiencial de procedencia oriental.

Celedonio Reyes Anzaldo (Universidad Nacional Autónoma de México),
“La disputa sofística de Trotaconventos con la monja Garoza y la consecuente transformación en la actitud amorosa del arcipreste”

En el episodio de la monja Garoza del Libro de buen amor, se efectúa, en principio, una disputa de aspecto retórico, porque algo de orden moral se pone en discusión: la propuesta lenonia de que la monja acepte como amante al arcipreste; y porque la medianera Urraca y la monja Garoza recurren a los ejemplos en forma de fábulas como pruebas primordiales en la defensa de sus alegatos (concernientes a la aceptación y al rechazo del ofrecimiento amatorio, respectivamente). Sin embargo, a través de la manipulación extrema de los modos subjetivos de persuasión retórica ―ethos y pathos―, ellas intentan debelar a toda costa y sus argumentaciones se conducen más bien por la disputación sofística. La cual, finalmente, se resuelve en favor de la monja, al acceder a los amoríos con el arcipreste dentro de un “buen amor” que es improbable para el tópico de la alcahuetería: el “lynpio amor”. Entonces, esta “pretendida” mutatio en la actitud amorosa del protagonista desde el “buen amor” prometido por la alcahueta hasta el “buen amor” alcanzado con la monja, es la que le permite a Juan Ruiz dar al episodio una apariencia moralizante.

Ana M. Rodado Ruiz (Universidad de Castilla -La Mancha),
“La costilla de Adán: la trobairitz, el amor cortés y el matrimonio”

Mucho se ha escrito sobre el llamado amor cortés provenzal, sobre su origen, significado y alcance; y tampoco ha descuidado la crítica el asunto de las peculiaridades del discurso lírico femenino en ese entorno, es decir, la poesía de las trobairitz, escasa y, quizá por ello, más interesante.

Lo que pretendo abordar en esta comunicación es un aspecto socioliterario de la lírica trovadoresca pocas veces tratado: la visión masculina de la dama cuando ésta no es la destinataria del cortejo, es decir, la amante, sino más bien la esposa, en su doble faceta además de cortejada y/o cortejadora. La fenomenología de estas situaciones descritas en los cancioneros, sin duda a medio camino entre la realidad y la ficción, es variada y muy rica en sugerencias. Rastrearemos ejemplos significativos que inciden expresamente sobre el alcance del fin’ amors trovadoresco, y analizaremos las diferencias de perspectiva entre algunos textos firmados por hombres y otros firmados por mujeres, que nos servirán para contextualizar una singular composición que aborda este problema con múltiples matices: se trata de la mejor pieza del trovador catalán Huguet de Mataplana (“D’un sirventes m’es pres talens”), un sirventés que constituye una clara defensa de lo que hoy llamaríamos una mujer intelectual.      

María José Rodilla (Universidad Autónoma Metropolitana, Iztapalapa),
“«Aquella çibdad ribera de la mar». La representación de las ciudades en El Caballero Zifar”

La aventura caballeresca se desenvuelve en diferentes ámbitos geográficos, más o menos aislados y lejanos de un Centro, de un espacio urbano, que es el que permite al caballero el contacto social, la vida de la corte con sus juegos, torneos, bailes, yen el que se somete a otras pruebas para completar su faceta de cortesano. De este tipo de ciudad es Glanbeque, ciudad de la corte, donde reside el rey de Mentón, la ciudad centro de la novela, a la que se llega y de la que se parte; la ciudad del poder político, donde se celebran las cortes, y donde no es necesario impartir justicia porque hay paz y concordia. Antes y después de este centro neurálgico, hay una serie de ciudades que podemos clasificar en tres tipos: las ciudades-fortaleza, amuralladas, en las que reina una mujer: Galapia y Seringa, sitiadas por reyes o condes vecinos, que tanto Zifar como Roboán deben descercar. Son ciudades islas, en cuya insularidad se desenvuelve el espacio femenino: en ellas, las mujeres se encierran durante la guerra, desde sus murallas divisan la batalla en el espacio exterior y en sus plazas y calles hacen sus danzas para celebrar la victoria. Un segundo tipo lo conforman las ciudades portuarias comerciales a las que llega Grima en dos ocasiones con rico cargamento y en ambas ejerce la caridad fundando un monasterio de monjas y un hospital o posada, respectivamente. A un tercer tipo pertenecen dos ciudades maravillosas, herencia de la tradición artúrica: “el país bajo las olas” de la mitología celta en la historia del Caballero atrevido, y la ciudad de Trigrida de los hechos de Roboán.

Analizaré estos diferentes tipos representativos de las ciudades medievales y su función en el texto.

María Luz Rodrigo Estevan y Pedro Luis Hernando Sebastián (Universidad de Zaragoza),
“Espacios de sociabilidad femenina. Una reflexión desde el arte y la documentación escrita”

Desde que en la década de 1970 la historiografía francesa e italiana asumió el concepto de sociabilidad como categoría de estudio histórico, las investigaciones sobre “las formas concretas, las modalidades, las estructuras y los procesos de socialización” rebasaron tempranamente el marco de aplicación inicial centrado en las prácticas asociacionistas propuestas por Agulhon para abarcar el amplio abanico de relaciones sociales que se originan tanto en la esfera pública como en la privada. En España, con cierto retraso historiográfico frente a las tendencias francesas e italianas y con el empuje por parte de modernistas y contemporaneístas, los estudios sobre las relaciones de sociabilidad comenzaron a tomar cuerpo en la década de 1990 y hoy en día los espacios, los tiempos y las prácticas de sociabilidad en el ámbito profesional y personal constituyen ejes temáticos que agrupan los nuevos enfoques.

En el marco de estas líneas de investigación queremos adenrarnos con nuestra propuesta de análisis en el vasto y complejo horizonte de la sociabilidad femenina medieval. Y para ello nos servimos de la información proporcionada en nuestro ámbito de investigación, el Aragón medieval, por dos tipologías documentales: la obra artística y los testimonios archivísticos.

De entre los diversos ámbitos de relación entre mujeres que las fuentes escritas y artísticas permiten analizar ―unos públicos como las fuentes, los hornos, el mercado, los baños, el burdel y otros privados como el taller familiar y las distintas estancias de la casa―, nuestra mirada se centra en uno de los mejores documentados: la cámara de parto. Al utilizar los recursos iconográficos que tiene a su alcance, el pintor medieval que compone una escena de nacimiento ―generalmente, del nacimiento de la Virgen―, plasma con sus pinceles las formas, maneras y relaciones que acontecen en los alumbramientos de su época y de su contexto geográfico. La presencia en un mismo espacio de mujeres vinculadas entre sí por lazos familiares, laborales, de vecindad y de amistad permite adentrarnos en el conocimiento no sólo de una parcela del trabajo femenino ―las parteras y las sirvientas o mozas de servicio― sino también en la “cultura material de la maternidad” a través del acondicionamiento ambiental de la habitación mediante braseros e iluminación, los utensilios para la limpieza e higiene de la parturienta, la manera de vestir al recién nacido, los alimentos ofrecidos a la madre para su pronta recuperación... Un espacio de sociabilidad femenina que permanece cerrado a los hombres y al que sólo puntualmente ―desde que se inicia el parto hasta que concluye― tiene acceso uno de ellos: el notario que da fe de todo cuanto presencia y que mediante las actas de alumbramiento traslada a la esfera de lo público ―y por tanto al control masculino― un acontecimiento de relieve en el universo sociocultural medieval.

Son estos testimonios notariales junto con la mirada sensible de los pintores los elementos conjugados en nuestra reflexión sobre las sociabilidades femeninas medievales y sus espacios.

María J. Rodríguez-Shadow (Instituto Nacional de Antropología e Historia),
“El trabajo femenino en la época medieval”

La investigación de la condición femenina en un periodo histórico tan amplio representa problemas que tienen que ver con las distinciones estamentales que diferenciaban a las mujeres, con sus identidades étnico-nacionales, sus ideologías religiosas, los sistemas jurídicos que normaban sus vidas, así como sus preferencias eróticas, sus edades, su estatus civil, el tipo de trabajo que desempeñaban, el ámbito en el que vivían (rural o urbano), entre otras diferencias que las separan como grupo social.

No obstante, en esta ponencia, intentaré ofrecer un panorama de los trabajos desempeñados por las mujeres, tanto el que realizaban recibiendo un salario como el que efectuaban en casa (tanto el doméstico como el artesanal en pequeños talleres familiares). En el abordaje de las prácticas laborales femeninas adoptaré la perspectiva de la economía política.

La metodología empleada será la investigación bibliográfica, aplicando la categoría analítica de género, analizando literatura académica actualizada que ofrezca una perspectiva crítica.

Nieves Rodríguez Valle (Universidad Nacional Autónoma de México),
“«Las viejas tras el fuego»: ¿cuándo y por qué las mujeres se convirtieron en fuente de refranes?”

En 1508 ve la luz el primer refranero impreso: Refranes que dicen las viejas tras el fuego, colección que, a los albores del Renacimiento, reúne la tradición paremiológica anterior. En el título de esta obra del Marqués de Santillana se subraya una idea reiterada en la literatura medieval, y que a partir de entonces será motivo de polémica entre los humanistas. En la Edad Media, junto al “sabio” o a la “escriptura” asoman dos imágenes estereotípicas de mujeres como fuente de refranes: la vieja tras el fuego (en las cocinas) y la vieja mientras hila.

En ocasiones, los refranes se introducen citando una fuente de procedencia. En el Libro de buen amor se encuentran las primeras atribuciones a la vieja como dicha fuente: “dize la pastraña de la vieja ardida”, “Commo dize la vieja, quando beve su madexa”, “las viejas tras el fuego ya dizen las pastrañas”. También don Juan Manuel cita a las viejas: “non quiso fazer viessos de nuevo, sinon que puso ý una palabra que dizen las viejas en Castiella”.

En 1535, para Juan de Valdés los refranes castellanos son “nacidos y criados entre viejas tras el fuego hilando sus ruecas”, condensando en una las dos imágenes de los quehaceres femeninos. Este peso de la tradición hace a Pedro Vallés argumentar: “Y si me volviere a replicar diciendo: que es cosa de poco tomo haber recopilado dicho de viejas. Engáñase, pues lo mismo hizo Aristóteles el primero de todos […]. Y si vuelve porfiando, que los usan viejas. No es así, porque usa dellos Homero, Platón, Demóstenes […]. Si Plutarco, autor grave, refiere en sus Apotegmas el dicho de Archelao: […] ¿por qué dicen que solas las viejas usan refranes?”.

En esta comunicación propongo analizar los motivos de la incorporación de la “vieja” en el universo proverbial, su fisonomía y las consecuencias que trajo en consigo.

Estela Roselló Soberón (Universidad Autónoma Metropolitana, Cuajimalpa),
“De deseo y obligaciones amorosas: la herencia medieval en la búsqueda del placer femenino. Nueva España, siglo xvii”

La comunicación que me gustaría presentar en las XII Jornadas Medievales forma parte de mi nuevo proyecto de investigación: las culturas y universos femeninos novohispanos fuera de los conventos. En este sentido, quisiera reconstruir históricamente algunas prácticas, experiencias, imaginarios y referentes morales en torno a la corporalidad de las mujeres seglares del reino americano y encontrar la relación que dicho sistema cultural tuvo con el universo simbólico, las ideas, las creencias y los valores medievales que llegaron a la sociedad novohispana a partir del siglo xvi.

Es decir, lo que pretendo presentar en el Congreso es una primera aproximación del siguiente problema: la manera en que la herencia cultural de la Edad Media que llegó a la Nueva España incidió en las costumbres, conductas, rutinas, prejuicios y formas de mirar y vivir el cuerpo de las mujeres que no profesaron como monjas, sino que vivieron en las casas, las calles y las plazas de aquella sociedad.

En la Nueva España, nociones como “la pureza” y “la impureza”, “la decencia” y “la indecencia”, “lo malo” y “lo bueno” se llenaron de significado y contenido a partir de muchas reminiscencias culturales medievales que determinaron gestos, formas de vestir, formas de curar o enfermar, prácticas médicas y de higiene, lo mismo que formas de vivir la sexualidad que afectaron a las mujeres de estas tierras americanas.

De esta manera, entre otras cosas, se analizará la influencia que tuvieron el Romancero, la literatura popular, así como los tratados de medicina y ciencia medievales sobre la cultura y la vida cotidiana relacionadas con el cuerpo femenino en la Nueva España del siglo xvii.

Silvia Salgado Ruelas (Universidad Nacional Autónoma de México),
“El libro de horas de la Biblioteca Nacional de México”

La Biblioteca Nacional de México conserva una rara pieza bibliográfica y artística, en la Sección de Manuscritos del Fondo Reservado. Se trata de un pequeño libro de horas manuscrito e iluminado, de procedencia y fechas desconocidas, con la clasificación MS.1820 y se resguarda en la caja fuerte. Es probable que el volumen fuera objeto especial de compra ya que no es parte del Fondo de Origen. Cabe apuntar que en el archivo de la propia institución no se han encontrado datos puntuales, por lo que el imprescindible Catálogo de obras manuscritas en latín de la Biblioteca Nacional de México, elaborado por Jesús Yhmoff y publicado en 1975 es el instrumento más remoto que lo registra.

La obra está incompleta ya que los libros de horas se estructuran idealmente por nueve secciones, de las cuales faltan seis en el manuscrito en cuestión, que empieza con los sufragios de dieciséis santos, le siguen los siete salmos penitenciales atribuidos al rey David y termina con la letanía. El oficio de la Virgen que es el origen y centro de dichas obras no aparece en éste y tal ausencia significa codicológicamente que se tiene una obra muy bella pero que carece de partes esenciales, debido al expolio. Su condición fragmentaria redunda en el desconocimiento del nombre de los artistas y artesanos que lo elaboraron, así como de su origen y fecha. La obra fue reencuadernada posiblemente en el final del siglo xix o en el xx y en el lomo se grabó en letras romanas y doradas lo siguiente: “Horae Sanctorum. Ms. Flemish xiv-xv cent.” Sin suscribir ni tener certeza de dicha información se puede considerar que se trata de una obra medieval copiada e iluminada por encargo para uso privado y laico. El volumen conserva 27 folios en vitela, con 16 miniaturas, 16 orlas a página entera y 253 iniciales trazadas e iluminadas finamente.

La hipótesis de esta comunicación es que la obra es borgoñona o parisina, por el tipo de iluminación que presenta y posiblemente se elaboró en el último cuarto del siglo xv. Además, los dieciséis santos de los “sufragios” tuvieron especial culto y devoción en Francia, y sólo algunos en Flandes, lo que hace pensar que el comitente o lector de la obra, que podría ser mujer, era de origen francés.

Finalmente éste es el manuscrito más antiguo que conserva el repositorio nacional.

Rafael Fermín Sánchez Barea (Universidad Nacional de Educación a Distancia, Madrid),
“La obra escrita de Hugo de San Víctor”

La presente comunicación intenta hacer un recorrido lo más exhaustivo posible por la obra escrita de Hugo de San Víctor. En primer lugar se acotará la extensión de la obra hugoniana, dando cuenta pormenorizada de los escritos atribuidos al Victorino. Se tomará como referente histórico la clasificación ofrecida por Migne en su Patrología latina. Al mismo tiempo se acudirá a otras fuentes que avalan la autoría hugoniana y que se inscriben en la más reputada tradición medieval. Se pretende también hacer una descripción de forma somera del contenido central de sus escritos indicando en su caso la temática propia que aborda así como su ubicación en los saberes de la época. Para finalizar se indicarán las obras que actualmente son susceptibles de ser atribuidas a Hugo así como aquellas que han ido perdiendo vigor en cuanto a la autoría hugoniana.

Xosé Manuel Sánchez Rei (Universidade da Coruña),
“Aproximación a los pronombres demostrativos en el gallego-portugués medieval”

La situación de los demostrativos en el gallego medieval es un asunto tan interesante como contrastivo con la época contemporánea. A este respecto, y desde el punto de vista formal, hay pronombres que dejaron prácticamente de usarse conforme avanza la Edad Media (aqueste, aquesta, etc.), los hay que poseen una documentación escasa (esse, aquesse, etc.) o absolutamente marginal (elesso o eleiso), y no faltan nuevos paradigmas que, en los tiempos bajomedievales, se vienen a sumar a los ya existentes (lo que sucede con estoutro, essoutro, etc.). Con relación también a contenidos más formales, se puede intuir una cierta distribución territorial o dialectal de determinados elementos, como isto, isso y aquilo, innovadoras (y actualmente estándares) a propósito de las más conservadoras esto, esso y aquelo.

Por otra parte, se puede asistir, igualmente, a cómo ciertos pronombres aún no tienen fijados completamente los usos y cómo, subsecuentemente, se emplean a veces con valores propios de otros inventarios (como acontece con este o esse, que se pueden intercambiar en determinados contextos tal y como se pueden ver en las Cantigas de Santa María o en los documentos notariales). Se trata de una situación digna de nota, sobre todo si tenemos en cuenta que en ciertas hablas del sistema lingüístico gallego-portugués, como es el caso de algunas modalidades de portugués brasileiro, no existe en la actualidad distinción deíctico-semántica entre este y esse.

Mi propuesta de comunicación se ocupa de abordar esos temas. Así, constaría de una parte estrictamente morfológica (dedicada a verificar las diversas formas y variantes) y de una otra más semántica (consagrada a constatar los diferentes usos de tales pronombres). Las referencias al estado de la lengua en siglos posteriores (xvi-xviii) se hace necesaria, ya que el período conocido como Gallego Medio resulta determinante para poder explicar el estado actual.

Dayle Seidenspinner-Núñez (University of Notre Dame),
“El converso como monstruo: Una lectura del Libro del Alboraique”

El Libro del Alboraique, panfleto anónimo escrito alrededor de 1488, lanza un ataque virulento contra los conversos judaizantes al compararlos con al-Bur~q, nombre árabe del corcel de Mohammed que, milagrosamente, condujo al profeta desde la Meca a Jerusalén ida y vuelta en una sola noche. El alboraique se describe como una bestia grotesca, con boca de lobo, cara de caballo, ojos de humano, orejas de lebrel, cola de serpiente, cuerpo de buey, y varios etcéteras hasta completar las veintiún características. Del mismo modo en que la bestia de Mohammed representa una combinación monstruosa de distintas partes de animales pero no puede identificarse con ninguna especie en particular, los falsos conversos practican las tres religiones sin poder ser categorizados ni como musulmanes, ni judíos o cristianos. El escritor asigna cualidades morales a los atributos físicos de los alboraicos o conversos a los que se considera hipócritas, falsos, vanidosos, insolentes, heréticos, sodomitas y arrogantes.

Esta presentación tiene como objetivo aplicar la teoría del monstruo al Libro del Alboraique y leer el cuerpo monstruoso que éste proyecta como una construcción cultural. La fabricación de monstruos es un dispositivo de abyección básico para la construcción de la desviación y la formación de la identidad, y por ello, los monstruos como los alboraicos deben examinarse dentro de la intrincada matriz de relaciones ―sociales, étnicas, religiosas, sexuales, políticas e histórico-literarias― de la cultura que los genera:

El monstruo es [...] la encarnación de cierto momento cultural ―de un tiempo, un sentimiento, y un lugar. El cuerpo del monstruo incorpora en forma literal el miedo, el deseo, la ansiedad, y la fantasía, concediéndoles vida y una independencia sobrenatural. El cuerpo del monstruo es pura cultura. Construcción y proyección, el monstruo existe sólo para ser leído: monstrum es etimológicamente “aquel que revela”, “aquel que advierte”, un glifo que busca un hierofanto (Jeremy Cohen, “Monster Culture [Seven Theses”).

     A diferencia de los estudios que analizan las correspondencias entre el alboraique y el converso, esta lectura examinará también el significado del monstruo para el autor y su audiencia, su función como glifo de la España isabelina y como correlato de esa otra creación monstruosa de fines del siglo xv: la Inquisición española.

Laura Tato Fontaíña (Universidade da Coruña),
“La figura del Rey como referente en la lírica medieval profana galego-portuguesa”

En las cortes de los reinos peninsulares occidentales, donde se desarrolló la lírica profana galego-portuguesa medieval, el papel que desempañaron los monarcas (El-Rei) ha sido estudiada sobre todo en la vertiente que atiende a la importancia fundamental que tuvieron tanto por su papel de protectores y/o mecenas del arte de trovar, como por su propio trabajo de creadores, en el caso de reyes como Alfonso X el Sabio, en Castilla, o Don Dinis, en Portugal.

Sin embargo, está aún sin investigar en profundidad el papel que tiene esa figura como sujeto u objeto dentro de los Cancioneros. Esta comunicación consistirá en la clasificación y análisis de aquellas cantigas en que aparece el Rey. Primero se procederá a la catalogación de formas de presencia, es decir, a la clasificación de las composiciones, desde aquellas en que la palabra Rei aparece en fórmulas que se limitan a expresar un lugar concreto (en cas d’el-Rei, por ejemplo) hasta las más complejas en que puede llegar a ser el destinatario de la cantiga y funcionar como exordio, pasando por aquellas en que es solicitada su presencia y/o su autoridad para resolver un pleito.

Se ha realizado un repaso completo de los Cancioneros y, como era de esperar, las referencias al Rei se concentran en el género de escarnho e maldizer, pero tampoco faltan en las cantigas de amigo. En cuanto a los trovadores, quizá puede resultar sorprendente que los que suman más referencias son algunos de los integrantes del denominado “Segundo Cancionero aristocrático”, los trovadores Gil Perez Conde y Paio Gomez Charinho. Por último, se procederá al comentario crítico de las cantigas y se sacarán las conclusiones correspondientes.

Isabella Tomassetti (Università di Roma «La Sapienza»),
“Magisterio, imitación y creación poética en las cortes ibéricas: Gómez Manrique, el conde de Mayorga y Diogo Marcam”

En el compacto subgénero de los decires con citas destaca una peculiaridad estructural que conforma la arquitectura compositiva de todos y cada uno de los textos: la presencia de breves fragmentos líricos ajenos insertados en el seno de las coplas o entre una copla y otra de la composición citadora. El corpus es bastante amplio y abarca desde los últimos decenios del siglo xiv a todo el siglo xv, desde los primeros experimentos de Macías hasta los maduros ejercicios de Pinar, Guevara y Quirós. Aun dentro de una patente homegeneidad formal y estilística, el corpus revela una sensible variedad de soluciones compositivas y retóricas. Además, la presencia de los mismos fragmentos líricos en distintos poemas es un fenómeno más bien frecuente: a menudo los segmentos pertenecen a textos muy conocidos de la tradición ibérica, que así revelan su fama y ejemplaridad. Sin pretender una explicación exhaustiva de las que podríamos definir “convergencias textuales”, me parece que entre las causas de tales evidentes coincidencias se puede hipotizar principalmente la notoriedad de algunos decires con citas, cuya fortuna está relacionada con la fama de sus autores, elegidos como modelos no sólo por lo que respecta a la selección de los textos citados sino también por la estructura temática y narrativa. Un caso especialmente significativo de semejanza compositiva y temática nos lo ofrecen tres textos compuestos a mediados del siglo xv: “Pues mi contraria fortuna” de Gómez Manrique, “Quieres saber cómo va” del Conde de Mayorga, y “Por verdes em que cuidado” del portugués Diogo Marquam. En la presente comunicación se destacarán los elementos formales, estilísticos y temáticos que apuntan a una indiscutible familiaridad entre los tres textos y a las circunstancias sociales que debieron propiciarla, además de ilustrar la función de patrón formal que tuvo el texto de Gómez Manrique.

Lorena Uribe Bracho (El Colegio de México),
“«Ovo tanta yra e malenconia que lo escopio en la cara»: la melancolía como furia en algunos textos de los siglos xiv y xv”

La búsqueda de las distintas formas atestiguadas de la palabra ‘melancolía’ en el Corpus Diacrónico del Español (corde) arroja resultados que apuntan hacia la identificación entre melancolía y furia ―poco esperada para el que está acostumbrado a asociar la melancolía con la languidez y la tristeza sosegada, como se ha venido haciendo desde el Renacimiento―. La forma malenconia ―una de las más atestiguadas en la época de la palabra ‘melancolía’― aparece una y otra vez en pares sinonímicos con yra, saña, indignaçion, enojo y odio; con mucho más frecuencia de lo que aparece relacionada con ideas de tristeza o de abatimiento.

Es posible que haya habido una identificación léxica (por sonoridad) entre malenconia y encono; y quizá también una falsa etimología que divide la palabra malenconia en mal-enconia (cuando la etimología real de melancolía es ‘bilis negra’). En todo caso, hay suficientes elementos en la tradición médica antigua y medieval para sustentar esa identificación, y para permitir que prolifere. La ira que se ve en estos ejemplos es uno de los polos de la melancolía, que desde el principio tuvo un carácter ambivalente, de manera que incluía tanto el abatimiento como la manía, la locura y la lucidez, el dolor y el disfrute, etcétera. La idea de que la melancolía es una especie de furor, un tipo de locura, es corriente en la Antigüedad griega; en uno de los textos más importantes de la historia de la melancolía, el Problema xxx, i, atribuido por mucho tiempo a Aristóteles, el autor da como ejemplo de personajes melancólicos a una serie de héroes épicos enardecidos por la batalla, y no al enamorado lánguido que se consideraría ejemplo prototípico del melancólico del Renacimiento en adelante.

En este trabajo se estudiará el fenómeno de esta ‘otra’ melancolía, la melancolía furiosa, tomando como objeto de estudio una serie de textos de distintos géneros (historiográficos, de literatura sapiencial, relatos, sobre el lenguaje, etc.) de los siglos xiv y xv ―entre ellos el Cuento de don Tristán de Leonís, la Crónica Troyana y el Libro de los exemplos por A. B. C. de Clemente Sánchez de Vercial― en los que se puede ver, por el contexto y por la construcción sintáctica, que hay una identificación entre la melancolía y la ira, la saña, la indignación, el enojo y el odio.

José Carlos Vilchis Fraustro (Universidad Autónoma de la Ciudad de México),
“Pármeno entre dos venenos: ficción versus realidad”

Cuando Pármeno cohabita con Areúsa es el momento en que Celestina ha logrado vencer la fidelidad que el sirviente profesa hacia su señor, Calisto. Esta confabulación sexual muestra la extraordinaria capacidad de la anciana para doblegar voluntades y así obtener obediencia y complicidad de terceros para su propio beneficio. Sin embargo, a todas las reglas morales y sociales (acaso también espirituales) que han quedado rotas tras la escena en cuestión, habría que agregarle un componente más, el de las leyes médicas de la época que parece han sido, de algún modo, transgredidas. Tenemos una serie de elementos que complican el acto e, incluso, se antojaría imposible desde el punto de vista de un discurso oficial como el de la medicina (sin dejar de tomar en cuenta, por supuesto, el de la moralidad y las buenas costumbres). Por ello habría que preguntarse ¿qué habrá pensado un médico medieval al leer la escena?  ¿Hasta dónde la realidad y la ficción se mezclan para ofrecernos la visión de una sexualidad que atenta contra las reglas morales, sociales, espirituales y naturales establecidas?

En el presente estudio se pretende, tomando como punto de partida el ciclo menstrual de la mujer, reflexionar en todos los elementos que hacen del goce sexual, en esta escena, un acto perturbador, porque algo turbio ha sucedido para que se efectúe la traición del criado.

Lillian von der Walde Moheno (Universidad Autónoma Metropolitana, Iztapalapa),
“Recursos para la alienación en Grimalte y Gradisa, de Juan de Flores”

En otras oportunidades he explicado la posibilidad de dividir la estructura de Grimalte y Gradisa en tres fábulas interrelacionadas, en las que Grimalte funciona como personaje eje. Me concreto, en esta ponencia, en la “fábula final” con el objeto exclusivo de analizar los más notorios mecanismos discursivos que Juan de Flores emplea para transmitir los fenómenos sorprendentes que se observan en esta parte de la obra (principalmente a partir del segmento 39 y ss., con base en la numeración de la ed. de 1988 de C. Parrilla García) y que son productores de “alienación” ―entendida ésta, de acuerdo con la definición de H. Lausberg, como “el efecto anímico que ejerce en el hombre lo inesperado”. Me centraré en elementos retóricos de elaboración, que incluyen no sólo recursos elocutivos, sino también la elección de aspectos determinados y reconocibles de materia alienante.

Irene Zaderenko (Boston University),
“Poema de mio Cid: texto, manuscrito, ediciones”

En la historia de las ediciones del Poema de mio Cid se destacan la primera realizada en 1779 por Tomás Antonio Sánchez, gran visionario que se adelantó en varias décadas a la primera edición de la Chanson de Roland; la magistral en tres volúmenes de don Ramón Menéndez Pidal publicada entre 1908-1911, a la cual recurrimos todos compartamos o no las ideas de don Ramón sobre la épica española; y las de dos británicos, Ian Michael y Colin Smith, quienes en los años 70 renovaron totalmente el texto y propusieron nuevas aproximaciones al poema. Estas dos ediciones fueron publicadas en España por las editoriales Castalia y Cátedra y se convirtieron en la vulgata del poema cidiano hasta que en 1993 Alberto Montaner nos sorprendió con una excelente edición crítica que presentaba un tesoro de información para los estudiosos de la literatura medieval. Una versión ampliada de esta edición fue publicada por Galaxia Gutenberg en noviembre de 2007, edición que supera a todas las anteriores por la profundidad con que se plantean los problemas codicológicos, textuales, históricos y literarios que presenta el poema.

En este trabajo examinaré los aportes fundamentales que hicieron cada una de estas ediciones a nuestro conocimiento del texto del Poema de mio Cid transmitido por el manuscrito copiado por Per Abbat en 1207.

Verónica Marcela Zalba (Universidad Nacional del Sur),
“El tema de los sentidos: ver, oír y callar en el corpus proverbial del  Arcipreste de Talavera”

El presente trabajo se inscribe en un proyecto de investigación que estudia la presencia de sentencias y refranes en textos literarios, en esta ocasión centrándonos en el Arcipreste de Talavera de Alfonso Martínez de Toledo. En esta ocasión, se ha seleccionado un corpus paremiológico relacionado con el tema de los sentidos, especialmente sobre el “ver, oír y callar”.

A partir de los juegos discursivos entre oralidad y escritura en los que se insertan los proverbios en diferentes contextos, se establecerán vínculos con líneas temáticas  que desarrollan la cuestión de los sentidos, sus proyecciones en las acciones, comportamientos y expresiones verbales recomendadas o censuradas. Asimismo se interpretará la inserción de paremias como motivadoras para la reflexión doctrinal del autor, destacando su función como normas de conducta y código ético de su tiempo.

María Jesús Zamora Calvo (Universidad Autónoma de Madrid),
“«…para golpear a las brujas y sus herejías con poderosa maza». Las ediciones del Malleus maleficarum”

En 1484 nadie podría suponer que el nombramiento de Heinrich Kramer y Jakob Sprenger como representantes máximos del Santo Oficio en las regiones de Maguncia, Colonia, Tréveris, Salzburgo y Brema, pudiera tener una repercusión tan nefasta en la sociedad de los siglos posteriores. Debido a la resistencia que ambos inquisidores encontraron a la hora de estudiar el fenómeno de la brujería en la zona designada, elevaron sus quejas a Inocencio VIII. Como respuesta, el Papa promulgó la bula Summis desiderantes affectibus, el 5 de diciembre de 1484, documento este que les dio la libertad y el poder necesarios para realizar su trabajo, fruto del cual surgió el Malleus maleficarum. Este libro representa posiblemente la síntesis más completa de todos los tratados que, sobre demonología, se habían escrito anteriormente y de toda la mitología que en torno a las brujas se había ido gestando desde la Antigüedad hasta dicha época, convirtiéndose por ello en un punto de referencia indispensable para todos aquellos que a partir de su publicación desearon escribir sobre el tema. Por ello en esta comunicación nos proponemos estudiar las ediciones con las que este tratado cuenta desde 1487 hasta nuestros días, en qué países se publicó, en qué bibliotecas se localiza, cómo influyó en la “caza de brujas” que se desencadenó por toda la Europa occidental desde la Baja Edad Media hasta prácticamente mediados del siglo xviii, haciendo especial hincapié en el tema de la brujería medieval y cómo fue tratada tanto por Sprenger y Kramer como la larga lista de seguidores que posteriormente tuvieron.

En Venecia  y en la corte aragonesa de Nápoles se desarrollaron dos formas poéticas similares: las canzonette y las canciones. De las canciones de Carvajal, legato de la tradición peninsular, se toman en cuenta las transmitidas por VM1(el Canzoniere marciano cuyo committente fue un veneciano asentado en Nápoles) y de las “canzonette” de Leonardo Giustinian, denominadas “giustiniane”, cuya originalidad radica en la mezcla del tono popular con un idioma culto y elegante, lejano, sea por su léxico que por su sintaxis, de la koiné septentrional y del proceso de toscanizzazione que la afectaba.